纠结 “玩作曲” 还是 “学作曲”？别被 “作曲要先学理论” 劝退！二者不冲突，别耽误创作起步！

此前，我曾通过视频分享两个观点：一是鼓励钢琴初级阶段（如处于“拜厄”学习阶段）的学生，大胆尝试作曲；二是强调学习作曲需具备必要的理论基础。这两个观点发布后，有朋友疑问：二者是否相互矛盾？事实上，答案是否定的。前者聚焦 “玩作曲”，旨在为后续 “学作曲” 积累音响感知与创作经验；后者则围绕 “学作曲”，探讨专业创作所需的能力支撑。二者并非对立关系，而是创作道路上层层递进的两个重要阶段。

鼓励拜厄阶段的学生尝试作曲，核心目的是激发他们对音乐创作的 “玩” 心。在这个阶段，无需追求复杂的音乐表达，只需让学生在简单的音符组合中，感受旋律流动的魅力 —— 可能是偶然哼出的一段调子，也可能是随手在琴键上弹出的几组音程，将这些转瞬即逝的灵感记录下来，便是最珍贵的创作实践。这种无拘无束的探索，就像孩子学英语时先敢于开口 “说” 一样，不必急于纠结语法是否正确，重点在于建立对 “表达” 本身的兴趣与感知，而这份感知，正是积累音响经验、埋下创作种子的基础。

然而，当创作目标从 “自我愉悦” 转向 “发表作品”，“学作曲” 的必要性便会凸显出来。有网友曾提出 “学英语不用先学语法再认 ABCD”，这种说法忽略了场景差异：日常交流中的英语，只要能让对方理解意图即可；但如果要写一篇能被他人阅读、认可的英文文章，不认字母就无法准确拼写，不懂语法就会导致逻辑混乱，最终的文字只能沦为 “自说自话”，无法与读者产生有效共鸣。作曲亦是如此。自己 “玩” 作曲时，即便旋律零散、和声简单，只要能满足自我的音乐表达需求，就有其存在的价值；可一旦要将作品推向大众 —— 面对听众的聆听、演奏者的演绎，甚至专业评审的审视，就必须具备扎实的理论基础作为支撑。懂曲式结构，才能让乐段有起承转合，避免作品陷入碎片化；懂和声规则，才能让不同音高的音响搭配和谐得当，传递准确的情感；懂记谱规范，才能让演奏者精准捕捉创作意图，避免因记谱模糊导致的信息偏差。这些理论知识，是将 “个人灵感” 转化为 “公共艺术作品” 的关键桥梁。

更重要的是，“玩作曲” 积累的经验，恰恰是 “学作曲” 的重要铺垫。拜厄阶段的学生在 “玩” 中记录的灵感、培养的音响感知，就像提前储存了大量的 “创作素材”；而 “学作曲” 所掌握的理论知识，便是将这些零散素材 “加工成器” 的工具。没有前期 “玩” 作曲时点燃的热情，后期学习理论知识容易陷入枯燥乏味，难以真正理解理论背后的音乐逻辑；反之，没有后期 “学作曲” 的理论支撑，“玩” 出来的灵感只能停留在 “半成品” 阶段 —— 可能是一段动人的旋律，却无法扩展成完整的乐章；可能是一组有趣的和声，却难以形成连贯的音乐表达，最终无法转化为能被大众理解、欣赏的成熟作品。

由此可见，“玩作曲” 是创作的 “感性萌芽”，用兴趣与直觉开启音乐表达的大门；“学作曲” 则是创作的 “理性扎根”，以理论与规范为创作保驾护航。从自我愉悦的 “玩”，到面向大众的 “发表”，本质上是从依赖直觉的即兴创作，走向兼具灵感与规范的专业创作的过程。二者相辅相成，缺一不可：唯有先敢 “玩”，才能点燃创作的火种，让音乐表达的欲望生根发芽；唯有再勤 “学”，才能让这颗火种获得成长的养分，最终长成可供他人观赏、共鸣的艺术之树。